¡Bienvenidos al blog de Historia de la Música!
Por aquí encontraréis una gran variedad de textos relacionados con la música desde su comienzo hasta nuestros días, que se irán publicando a lo largo de todo este curso 2016-2017. Espero que os resulte interesante y que si os gusta ¡os quedéis por aquí!
El musical se estrenó en 1957 en el Winter Garden de Nueva York bajo el control de Arthur Laurents, el director; Jerome Robbins, el coreógrafo; y Leonard Bernstein,el responsable de la música.
Es la historia de Romeo y Julieta pero modernizada. El argumento se desarrolla en el Nueva York de los años 50, donde dos jóvenes -María, recién llegada de Puerto Rico y hermana del líder de los Sahrks, y Tony, un antigua miembro de los Jets- de bandas rivales se enamoran.
La película, de 1961 ganó una gran cantidad de premios, de los que destacan 10 premios Oscar a: mejor película, director, actor y actriz de reparto, dirección artística, música, sonido, vestuario, fotografía y montaje.
Algunas curiosidades de la película...
-Elvis Presley pudo haber tenido el papel protagonista de Tony, pero lo rechazó persuadido por su agente. Después se arrepintió de ello.
-La ganadora del Oscar a mejor actriz secundaria, Rita Moreno (Anita), ha sido la única latina en conseguir ese galardón.
-Debido a la censura, la película estuvo prohibida en España hasta 1962.
-La primera secuencia de la película se rodó en escenarios reales. Sin embargo, para el resto de escenas se emplearon decorados, necesitando hasta un total de 50.
La película nos cuenta la vida de Christian, un escritor inglés que decide abandonar Londres y viajar a París para desarrollar su poesía. Allí se instala en el barrio de Montmartre, y barrio de música, luces y arte. En la zona conoce a Henri, quien le eneñará el lugar y le presentará a la gente. La sociedad de la época gira en torno al Moulin Rouge. Allí conoce a Satine, la gran estrella de la sala de espectáculos y de la que se acaba enamorando locamente.
La película, dirigida por Baz Luhrmann, fue estrenada en 2001, y cuenta con Nicole Kidman, Ewan McGregor y John Leguizamo en su reparto. El encargado de la música es Craig Armstrong.
Algunas curiosidades...
-La película es una versión moderna de La Traviata de Verdi
-Madona quedó tan impresionada con la interpretación de su canción "Like a virgin" que envió un vídeo felicitando al director y ofreciendose a trabajar con el en futuros proyectos.
-Luhrmann tiene un record guiness por haber obtenido la mayor cantidad de derechos de autor por una película.
-Ewan McGregor siempre había querido participar en un musical. Recientemente ha puesto voz a Lumiere, en la Bella y la Bestia.
El musical se estrenó en 1999 en Londres y consiste en una historia donde se incluyen los grandes éxitos del grupo musical ABBA. En 2008 se estrenó una película basada en el musical.
La historia trata de una joven, Sofie, que nunca ha sabido quien es su padre. Meses antes de casarse, descubre el diario de su madre, del año en que se quedó embarazada de ella, y descubre que hay tres hombre que pueden ser su padre, por lo que decide invitarlos a su boda con el fin de averiguar quien es. Cuando éstos llegan a la isla griega donde vive Sofie con su madre Donna, la mujer está atónita al verlos. Entre los grupos de amigas de la madre, de la hija, del novio de la hija y los tres hombres, se desarrollan romances, historias y canciones.
Algunas de las canciones del grupo que aparecen en el musical son: "Voulez Vous", "Money, Money, Money", "Take a chance on me", "Thank you for the music" y "Dancing Queen" entre otras, sin olvidar la canción que da nombre a la obra: "Mamma Mia".
ABBA es un grupo sueco formado por cuatro músicos llamados Anni-Frid, Agnetha, Bjorn y Benny. Fueron uno de los grupos pop más destacados de los años 70 y comienzos de los 80, pero su gran salto a la fama fue en 1974 tras ganar el festival de Eurovisión con la canción "Waterloo".
Como ya todos a estas alturas sabréis, La La Land recibió el codiciado Oscar a mejor banda sonora. Por eso, me ha parecido curioso escribir sobre otros clásicos musicales en los que se inspiró.
Y es que ésta película hace referencia a un gran número de musicales: Cantando bajo la lluvia, Shall we dance, Moulin Rouge, Todos dicenI love you, Grease, West side story, Sweet charity, Boogie Nights, The band wagon, Funny Face, An American in Paris, Le ballon rouge, Les parapluis de Cherboug (Los paraguas de Cherburgo), On the town, Broadway memory...
Cantando bajo la lluvia:
Dirigida por Stanley Donen y Adolph Green se estrenó en 1952 en el Radio Musica Hall de Nueva York. La banda sonora está compuesta por Nacio Herb Brown y Arthur Freed.
Narra la vida de Don Lockwood, un conocido actor de cine mudo que trabaja en Hollywood. Su pareja es Lina Lamont, otra exitosa actriz de cine mudo, guapa pero malvada. Un día conoce a Kathy Selden, una actriz de teatro que al principio no valora tanto el mundo del cine. Poco a poco se enamoran. Además, el cine está revolucionado con el surgimiento del sonido en éste, y los productores quieren reformar la película en la que estaban trabajando Don y Lina y convertirla en un musical, pero la voz de Lina es horrible y no sirve para eso.
Algunas curiosidades:
-Al rodar la escena de la canción "Good Morning" el director estaba tan obsesionado con que quedara perfecto que hizo al protagonista bailar ocho veces en una misma sesión, por lo que el actor acabó con los pies sangrando.
-El día de rodaje de la escena donde el protagonista baila bajo la lluvia, el actor llegó con resfriado y 40 grados de fiebre, y, aunque el director le propuso cambiar la escena y hacer otro baile, el actor se negó y acabaron haciendo la famosa escena. Sin embargo, como estaba tan débil, no tenía fuerza para que los golpes de los zapatos sonaran bien el la cámara, así que se puso otra persona cerca de la cámara haciendo el mismo baile.
Barbara Strozzi nació en Venecia el 6 de agosto de 1619 y murió en Padua el 11 de noviembre de 1677. Fue una compositora, cantante e intérprete muy destacada del Barroco.
Fue su padre Giulio Strozzi, poeta y libretista, el que la inició en el mundo de la música y la animó a desarrollar su talento como cantante, sin embargo, pronto se dieron cuenta de que tambien era una excelente compositora. Estudió con el conocido Francesco Cavalli, y su padre, para animarla en su carrera, fundó una academia donde su hija pudiera actuar y dar conciertos. Tras la muerte de su padre en 1652, Bárbara siguió componiendo gracias al apoyo de mecenas, reyes y aristócratas.
Barbara Strozzi es considerada "el compositor más prolífico , hombre o mujer, de música vocal profana de la mitad del siglo". Su género preferido fue la cantata.
A lo largo de este curso, me he centrado principalmente en traeros información y noticias recientes sobre música clásica (principalmente). Sin embargo, en estas última entradas del año, voy a empezar a escribir sobre temas que me parecen interesantes, curiosos... un poco distintos para acabar el curso.
En esta entrada voy a hablar sobre diferentes grupos de Rock como Los Beatles, Los Rolling Stones, Pink Floyd, Led Zepellin, Guns n' roses y My Chemical Romance.
The Beatles:
Banda de origen inglés creada en Liverpool en 1960 formada por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Se les considera uno de los grupos más influyentes de la música moderna. Aunque generalmente se les asocia con la música pop, no hay que olvidar que también cultivaron el rock ,sindo un gran impulso para este, e hicieron una gran mezcla de estilos. A pesar de que estuvieron activos durante muy poco tiempo, diez años, crearon una gran cantidad de canciones con mucho éxito que dura hasta hoy.
Algunas de sus canciones son: Hey Jude, Yesterday, Penny Lane, All you need is love, All my loving, Twist and shout...
The Rolling Stones:
Banda originaria de Londres creada en 1962 formada por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Ian Stewart y Charlie Watts, aunque ha habido varios cambios y retiros de los miembros del grupo. Al igual que los Beatles, son un grupo muy influyente y sentaron las bases del rock. El 25 de Marzo de 2016 hicieron historia con su concierto gratuito en Cuba, un evento políticocultural signo de que las cosas están cambiando en la isla.
Algunas de sus canciones son: (I can get no) Satisfaction, Gimme Shelter, Angie, Jumpin Jack Flash, Street fighting man, Brown Sugar...
Pink Floyd:
Banda de rock británica que causó sensación con su rock psicodélico y que evolucionó al rock progresivo (subgénero del rock que nació a finales de los sesenta principalmente en UK, con la denominada escena Canterbury, con grupos como Soft Machine o Camel. Se caracteriza por el predominio de partes instrumentales con pasajes atípicos y con la presencia de instrumentos no tan comunes en la escena del rock como flautas traveseras, instrumentos de folk o distintos teclados con múltiples sonidos y efectos. Recoge muchas influencias muciales, pero pretende innovar.) Sus componentes son: Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason y Richard Wright.
Algunas de sus canciones son: Wish you were here, Another brick on the wall, Comfortably numb, The dark side of the moon, Learning to fly, Shine on you crazy diamond...
Como curiosidad, el album The Wall surgió como inspiración tras un incidente con un fan. Estaban en un concierto y un grupo de fans se abalanzó sobre el escenario y el vocalista Waters escupió a uno de ellos. Tras esto, el cantante empezó a fantasear con la idea de un muro que le separase de sus fans.
Led Zepelin:
Banda de rock británica creada en Londres en 1968. Está formada por Jimmy Page, John Bonham, Robert Plant y John Paul Jones. Su música tiene muchas inspiraciones como el blues, el folk británico o el funk. En sus textos incorporan rasgos místicos y mitológicos. El grupo deriva de la banda The Yardbirds. Como curiosidad, hay varias versiones sobre el origen del nombre, pero dicen que en una grabación de The Who, Keith Moon dijo que la banda de Jimmy Page fracasaría como un zepelin de plomo "led zeppelin".
Algunas de sus canciones son: Stairway to heaven, Kashmir, Inmigrant song, Whole lotta love you, Black dog...
Guns n' roses:
Banda estadounidense creada en 1985 en Hollywood. Fue fundada por Axl Rose e Izzy Stradlin. Actualmente sus componentes son Axl Rose, Richard Fortus, Dizzy Reed, Melissa Reese, Frank Ferrer, Duff Mckagan y Slash. Han vendido más de 100 millones de álbumen en todo el mundo y han ganado nueve premios entre American Music Awards, Grammys, MTV y World Music Awards. Son considerados la primera banda de rock de la era moderna. Una curiosidad es que antes de hacerse famosos, Axl Rose e Izzy Stradlin ganaban dinero fumando cigarrillos para estudios científicos.
Algunas de sus canciones son: Welcome to the jungle, Sweet child o' mine, Patience, Knocking on heaven's door, You could be mine...
My Chemical Romance:
Banda estadounidense creada en el 2001en Nueva Jersey, aunque se disolció en 2013. Estaba formada por Gerard Way, Mikey Way, Ray Toro y Frank Iero. Su estilo ha sido asociado a rock, punk, pop punk, post-hardcore y emo.
Alma Mahler nació el 31 de agosto de 1879 en Viena y murió el 11 de diciembre de 1964 en Nueva York.
Alma empezó a tocar el piano de muy pequeña, e hizo sus primeras composiciones a los nueve años. Estudió composición con Josef Labor y Alexander von Zemlinsky.
Se casó con Gustav Mahler, Walter Gropius (arquitecto) y Franz Werfel (escritor), también se sabe que tuvo muchos otros amantes. Fue una gran compositora que destacó por su inteligencia y belleza. Fue una mujer con gran influencia social y en su casa solía celebrar reuniones y pequeños conciertos.
Alma se casó con Gustav Mahler en 1902, con quien tuvo dos hijas. Una de ellas, María, murió de escarlatina siendo niña, y la otra, Anna, trabajó como escultora. Alma no estaba completamente bien en el matrimonio, pues actuaba como la "perfecta mujer" y había dejado a un lado la composición. Tras la muerte de su hija, empezó a verse con Walter Gropius.
Tras la muerte de Mahler (1911) no fue directamente con Gropius sino que tambien tuvo algo con Oskar Kokoschka (pintor). Éste hizo varias obras basadas en su relación con la mujer, incluyendo La Nocia del Viento. (Por si os interesa, hay una película con el mismo nombre que narra la vida de Alma Mahler).
Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, el pintor se tuvo que ir a combatir, y Alma estableció contacto otra vez con Gropius. Se casaron en 1915. Con él también tubo una hija, Manon, que murió a los 18 años de polio. Alban Berg compuso un concierto para violín en su honor, y dice "En memoria de un ángel". Alma tuvo otro hizo, y al principio Gropius pensaba que era suyo pero en realidad era de Franz Werfel, con quien Alma se llevaba viendo bastante tiempo. Martin Carl Johannes Gropius, que así se llamaba su hijo, murió a los 10 meses de hidrocefalia. Se divorció de Gropius en 1920 y se casó con Werfel en 1929.
Werfel era judío por lo que con la extensión del Nacismo y la Segunda Guerra Mundial tuvieron que abandonar Austria e ir a Francia. Después se fueron a Estados Unidos.
En Estados Unidos Alma era un referente intectual y expandió la música de Gustav Mahler.
Su obra: Alma Mahler escribió sobretodo para voz y piano. Se conservan tan solo 17 de sus obras, de las cuales 14 se publicaron mientras ella vivía, y 3 tras su muerte.
Sus obras son:
Cinco piezas para voz y piano (Enero 1911)
"Die stille Stadt" (The Quiet Town; Richard Dehmel)
"In meines Vaters Garten" (In My Father's Garden; Hartleben)
La suite
“Goyescas” es un conjunto de 7 danzas para piano y una obra externa basadas en las
pinturas de Goya. Los títulos de éstas obras son: Los Requiebros, Coloquio en la Reja, el Fandango de Candil,
Quejas o la Maja
y el Ruiseñor, El amor y la
Muerte y Serenata del
espectro (es el epílogo).A estas hay que añadir El Pelele, una obra que en
principio estaba fuera de la colección, pero al estar también basada en Goya, y
al haberse incluido en la ópera Goyescas, hoy en día se la considera el epílogo
de la suite.
Éstas obras
están inspiradas principalmente en los cartones para tapices y los Caprichos
del pintor. En la suite, no cada obra corresponde a un cuadro, sino que es un
intento de reflejar el estilo global del pintor. Sin embargo, sí que podemos
destacar tres obras en las que Granados hace especial hincapié: el capricho
“Tal para cual”, el capricho “El amor y la muerte” y “el Pelele”. En sus obras
Goya muestra gran luminosidad, amabilidad, escenas corrientes para los nobles
de la época… Granados nos muestra este mundo pero idealizado, donde combina la
luminosidad, alegría y pasión de los cartones con el carácter dramático de los
Caprichos.
Con inspiración goyesca escribe también las Tonadillas. Están basadas en unos poemas de Fernando Periquet e intenta plasmar el Madrid del siglo XVIII en ellas. Las Danzas Españolas, Goyescas y las Tonadillas son las obras que le otorgan mayor importancia, popularidad y reconocimiento artístico en el exterior.
La suite es
considerada una de las obras cumbre para piano del nacionalismo español, y el
propio compositor fue consciente de lo que había creado, tanto de su
importancia como de su complejidad. “He compuesto una colección de Goyescas de
gran vuelo y dificultad. Son el pago de mis esfuerzos por llegar. Dicen que he
llegado. Por fin encontré mi personalidad” decía el compositor. Hay una
anécdota que dice que estaba Granados ensayando para el gran estreno de la obra
diciendo y entró su aprendiz y le encontró diciendo una serie de palabras mal
sonantes; él la miró y la dijo “estaba maldiciendo al compositor por haber
compuesto algo tan difícil”.
Director de orquesta, discípulo de Hans von Bülow, fue una figura muy importante de la música alemana durante la primera mitad del siglo XX. Escribió: piezas para piano, música de cámara, obras corales, 150 lieder, óperas y poemas sinfónicos.
Óperas:
Sus óperas son diferentes a todo lo que se había realizado anteriormente, incluyen unas armonías muy complejas (que influenciarán al expresionismo), adopta algunos de los principios wagnerianos como la importancia de la orquesta sinfónica, la asociación de determinadas tonalidades con ciertos personajes o situaciones... Aunque no incluye ideas filosóficas ni religiosas. También aplica a la ópera un carácter descriptivo más característico de los poemas sinfónicos.
"Salomé" y "Elektra" son dos obras muy importantes de la historia de la ópera del siglo XX. En ambas hay una vocalidad desgarrada que anticipa el "sprechsang" de la escuala de Viena, combinan pasajes politonales disonantes, armonía cromática post-romántica y lenguaje diatónico tonal, la armonía deriva de un "acorde germinal" y hay muchas relaciones de acordes basadas en el tritono.
En "El caballero de la rosa", Strauss incorpora una estética Neoclasicista.
Poemas sinfónicos:
Strauss siguió la línea romántica que había marcado Berlioz de música programática. Entre sus poemas sinfónicos destacan: "Muerte y transfiguración", "Así habló Zaratustra", "Vida de héroe", "Sinfonía alpina", "Sinfonía doméstica", "Macbeth", "Don Juan" y "Las alegres travesuras de Till Eulengspiegel".
Gustav Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco que tuvo a su cargo la orquesta de la Ópera de Viena y la filarmónica de Nueva York.
Fu un compositor de transición. Continuó la tradición románatica vienesa (Beethoven, Schubert, Brahms, Bruckner) y expandió la sinfonía y la sinfonía-oratorio. Algunas de sus técnicas compositivas contribuyeron al debilitamiento de la organización tonal-tradicional y aportaron sugerencias de procedimiento que recogieron y desarrollaron los compositores posteriores. Anticipó una nueva era, sirviendo como referencia para la segunda escuela de Viena (Schönberg, Berg, Webern).
Lo más destacable de su producción son las 9 sinfonías y los ciclos de canciones para voces solistas con orquesta (la canción de la tierra, canciones para los niños muertos...)
Características de sus sinfonías:
Obras típicamente postrománticas por su extensión, complejidad formal y requerimiento de enormes recursos de ejecución.
Transferencia de motivos de un movimiento a otro, aunque nunca hasta el punto de insinuar in esquema cíclico.
Utilización de temas procedentes de sus lieder.
Conclusión en distinta tonalidad a la del comienzo
Brillante orquestación: meticuloso tratamiento de las combinaciones instrumentales.
Indicaciones detalladas de fraseo, tempo y dinámica.
Contenido programático
Empleo ocasional de instrumentos inusuales (mandolinas) o efectos peculiares (scordatura)
Empleo de la voz en combinación con la orquesta (sinfonía-oratorio).
El nacionalismo fue una fuerza muy importante a partir del siglo XIX y tuvo tres etapas:
-Nacionalismo romántico primitivo
-Nacionalismo posterior a 1860
-Neonacionalismo de siglo XX
Nacionalismo romántico primitivo: los resultados de la recuperación de la canción popular germana a comienzos del siglo XIX fueron absorbidos dentro del estilo general de la música austro-alemana que, en este periodo, era lo más cercano a un estilo europeo internacional; Haydn, Schubert, Brahms, Mahler y Strauss ultilizaron lenguajes folklóricos de esta forma. También, los elementos polacos de Chopin, o los húngaros-gitanos de Liszt y Brahms, pueden considerarse accesorios exóticos de un estilo fundamentalmente cosmopolita. De igual forma, las cualidades nacionales de la música francesa e italiana del siglo XIX se asimilaron a una tradición fuertemente establecida en cada país.
Nacionalismo posterior a 1860: el nuevo nacionalismo se desarrolló principalmente en países que no tenían una sólida tradición musical, y que habían dependido musicalmente de otras naciones, principalmente Alemania. El nacionalismo fue un recurso mediante el cual los compositores de estos países trataron de liberarse de la dominación de la música extranjera, mediante la recopilación y publicación de canciones populares. Además, la historia, las leyendas, cuentos maravilloso y héroes asociados, sirvieron a los argumentos de óperas y poemas sinfónicos. La consecuencia más importante fue el surgimiento de estilos nuevos en virtud de la fertilidad de la música germana ortodoxa por las características melódicas, armónicas, rítmicas y formales de los lenguajes nacionales.
Neonacionalismo: se busca revitalizar lo popular y emplean el folklore como un recurso, no para hacer obras folklóricas. Destacan compositores como Kodaly, Janacek, Bartok y Stravinsky.
En esta imagen aparecen los países y sus compositores nacionalistas:
En el Conservatorio hemos hablado bastante sobre la música programática y me ha parecido que sería interesante comentarlo aquí. Además, como en clase hemos empezado con el Romanticismo, creo que está bien como complemento o curiosidad para añadir a los rasgos generales. Sintetizando, la música programática consiste en reflejar algo extramusical (literatura, pintura, naturaleza...) en una obra musical. Este tipo de música florece en el Romanticismo.
He buscado algo de información sobre Granados (representante del Nacionalismo Español) y su relación con Goya, pues el compositor escribe varias obras inspiradas en él, de las cuales destaca Goyescas, una colección de siete danzas.
Granados estaba verdaderamente fascinado por Goya,
sus obras, su estilo, el Madrid de su época… incluso hizo algunos dibujos de
majos y majas con tinta negra, lápiz y pastel. El compositor también tenía
habilidad para la pintura, y se retrató a sí mismo vestido de Goyesco. También
hizo escritos y cartas donde refleja su admiración por el pintor. Aquí tenemos
un fragmento de una carta que escribe el compositor a Joaquín Malats en 1910,
un año antes de que se estrenara Goyescas: “Me enamoré de la psicología de Goya
y su paleta; de su maja señora; de su Maja aristocrática; de él y de la duquesa
de Alba; de sus pendencias, amores y requiebros; aquel blanco rosa de las
mejillas, contrastando con las blondas y terciopelo negro con alamares;
aquellos cuerpos de cinturas cimbreantes, manos de nácar y carmín, posadas
sobre azabaches, me han trastornado.”. También encontramos este otro ejemplo de
unos apuntes para las Tonadillas: “Con garbo y con donaire Va el majo galán Va
el majo galán Pasito a paso por la pradera Va por la pradera”. Si nos fijamos,
“Con garbo y donaire” se emplea como anotación expresiva al principio de los
Requiebros. También emplea melodías de la Tirena del Trípili (una tonadilla de
Blas de Laserna, compositor del siglo XVIII), y basó los Requiebros en dos
versos de la canción.
Nació en Buenos Aires, Argentina en 1942, pero pronto se instaló en Isrrael. Viene de una familia de músicos y sus padres fueron los que le introdujeron a la música y le enseñaron a tocar el piano. Con tan solo siete años debuta en su ciudad natal y le ofrecen continuar sus estudios en Salzburgo. Algunos de sus profesores más destacados fueron Nadia Boluanger e Ígor Markevitch.
Con tan sólo 14 años da importantes conciertos en Londres, Nueva York, como solista en la Filarmónica de Israel... A los 24 años es ya director de la English Chamber Orchestra y colabora también con orquestas tan importantes como la New Philharmonia Orchestra, la Ópera de la Bastilla, la Orquesta Filarmónica de Chicago o la Deutsche Staatsoper en Berlín. Participa en el Festival Mozart. Destaca también por tener un amplio repertorio. En 1967 se casa con la conocida cellista Jaqueline du Pré, quien muere en 1987 de esclerosis múltiple.
Hoy en día es considerado uno de los mejores directores de Wagner, aunque ésto le haya costado alguna mala pasada, como en el verano del 2001, cuando llevó la ópera Tristán e Isolda al Festival de Israel, hubo un boicot oficial contra el director, y se le declaró también persona non grata "hasta que no se disculpase públicamente por haber ejecutado allí una obra del compositor favorito de Hitler". En la actualidad tiene un proyecto llamado West-Eastern Divan Orchestra, gracias al cual consiguió el premio Príncipe de Asturias de la concordia en 2002.
Johann Sebastian Bach es un compositor del Barroco. Nació en Alemania, donde adquirió un gran prestigio. Venía de una familia de músicos, y además de compositor fue también organista, clavecinista, violinista, violista (tocaba la viola da gamba, no la que conocemos en la actualidad), maestro de capilla y cantor. Algunos de sus hijos fueron también grandes compositores como Johann Christian Bach. Es considerado uno de los mejores compositores de la historia de la música, asentando grandes bases para ésta, influyendo a otros compositores como Mozart, Mendelssohn, Brahms o Mahler.
Bach es conocido por su gran fluidez y dominio del bajo contínuo, y por su increíble habilidad para improvisar.
Con la introducción del sistema de "temperamento igual", Johann Sebastian Bach compuso un conjunto de obras para explorar los recursos y las características de esta temperación. Estas obras se recogen en dos volúmenes formados por 24 pares de preludios y fugas (uno por cada tonalidad). El orden de las tonalidades es DoM, Dom, Do#M... y así hasta completar todas. El primer volumen fue terminado en 1722 y el segundo en 1744. Además, estas obras han sido muy importantes para la música en general, pero imprescindibles para los pianistas.
Tras su muerte, sus obras fueron casi olvidadas, pero fue Mendelssohn quien reestrenó "La Pasión según San Mateo", lo que volvió a crear un creciente interés por su obra.
Aquí os dejo unos vídeos del Clave Bien Temperado:
Preludio y Fuga Nº1: Como curiosidad, se ha sacado un libro que te enseña a tocar este preludio desde el principio, y está dirigido a la gente que no sabe tocar el piano. Yo creo que es muy difícil (por no decir imposible) aprender a tocar el piano con la única ayuda de un libro, pero bueno, por si queréis probar...
Aunque en la mayoría de las cortes Alemanas en el siglo XVII estaba la moda de la ópera italiana, poco a poco se fue creando una ópera nacional, especialmente en el norte. El centro más importante era Hamburgo, donde se inauguró en 1678 el segundo teatro de ópera europeo.
La versión alemana de la ópera era el singspiel, una obra teatral con música. En muchas de estas obras se utilizaba la palabra hablada en lugar del recitativo, y cuando se empleaba el recitativo, se imitaba el italiano. Además de la influencia italiana, también se hizo sentir la francesa. Los rasgos específicamente alemanes se manifestaron en el estilo melódico de las arias que solían presentar la forma de canciones estróficas.
El principal compositor fue Reinhard Keiser (1674-1739), que escribió más de cien obras. En cuanto a la temática y planificación general de las óperas, los libretos se parecen a los de las óperas venecianas, aunque, a diferencia del estilo italiano que concentra el interés en la melodía, Keiser utiliza una textura polifónica plena. Otros rasgos del compositor son la percepción de la naturaleza y el empleo de combinaciones variadas de instrumentos orquestales, que "compiten" con la voz en melodías independientes.
La música y el teatro han estado muy ligados ya desde la antigua Grecia. En las tragedias de Sófocles y Eurípides se cantaban coros y algunos pasajes especialmente líricos y Los dramas litúrgicos de la alta edad media se cantaban en su totalidad.
A lo largo del Renacimiento, se interpretaban pequeños intermedios de carácter pastoril, alegórico o mitológico en los entreactos de las obras teatrales. En eventos sociales importantes estos intermedios tenían montajes musicales espectaculares con solistas, coros y grandes conjuntos instrumentales. Los intermedios más deslumbrantes fueron representados en Florencia para la boda de una princesa.
Sin embargo, es a finales del siglo XVI, cuando surge el nuevo género llamado "ópera in musica", una obra teatral que combina el soliloquio, el diálogo, los decorados y la música.
En 1570 el conde Bardi creó una academia de carácter informal en la que se debatían temas literarios, científicos, artísticos y se tocaba la nueva música. Miembros destacados de este club fueron Giulio Caccini (cantante y compositor), Vincenzo Galilei (padre del astrónomo Galileo Galilei) y Jacopo Peri.
Fue a través de estos debates, como los miembros de la camerata llegaron a la conclusión de que las antiguas tragedias griegas se cantaban en su totalidad, y comenzaron a experimentar con la musicalización de pequeñas escenas dramáticas, cuidando especialmente la adecuación de la música al libreto. Por otra parte, la pastoral era un género poético predilecto durante el Renacimiento. Exigía del poeta la habilidad para transmitir la atmósfera de una naturaleza idealizada, donde vivían seres mágicos del bosque, jóvenes y pastores.
Este ambiente bucólico pastoril, los temas de la mitología griega y los variados experimentos con la monodia acompañada se unieron para dar lugar a las primeras óperas estrenadas en Florencia:
-Peri y Rinuccini: "Dafne" y "Eurídice"
-Caccini y Rinuccini: "Eurídice"
-Francesca Caccini: "La liberación de Rugiero de las isla de Alcina"
